купить

Игра в моду: вопросов больше, чем ответов

Элисон Джилл (Alison Gill) — специалист по дизайну, преподаватель Школы гуманитарных наук и теории коммуникации в Университете Западного Сиднея.

Приехав в Киото в сентябре, вы получали уникальную возможность увидеть выставку, где было представлено девяносто дизайнерских изделий из коллекции Института костюма Киото и где посетители могли соперничать с экспозицией. Выставка «Дресс-код: играем в моду?» организована совместными усилиями Института костюма Киото, Национального музея современного искусства в Киото и Музея современного искусства в Кумамото. Она объединяет в себе моду прошлого и современности, включая придворные костюмы XVIII века и нынешнюю уличную культуру — наряду с образами моды в искусстве, фотографии, кино и манги, показывающими, какую коммуникативную функцию выполняет одежда в современном обществе и в эпоху социальных медиа.

Выставка, приуроченная к Генеральной конференции Международного совета музеев, которая прошла в Киото в сентябре, свидетельствует о сотрудничестве между музеями и интересе художественных галерей к теме моды. Институт костюма Киото — мировой лидер по коллекционированию, сохранению, исследованию и выставкам западного костюма от XVII столетия до наших дней (с обширным цифровым архивом), а «Дресс-код» — восьмая выставка, посвященная костюму и/или моде и организованная благодаря возобновляемому каждые пять лет сотрудничеству между Киотским институтом костюма и Национальным музеем современного искусства в Киото. Подобно музею Виктории и Альберта в Великобритании и Метрополитен-музею в США, Киотский институт костюма и Национальный музей современного искусства в Киото — японские первопроходцы в области «выставок костюма в художественных музеях», направленных на популяризацию представлений о культурной и эстетической ценности моды и одежды.

Хотя сейчас публика по всему миру знакома с форматом выставки-хита глобального масштаба и экспозициями творчества отдельных дизайнеров, таких как Александр Маккуин, Кристобаль Баленсиага и Кристиан Диор, организаторы этой выставки поставили перед собой еще более амбициозные задачи, чем просто способствовать популяризации и признанию дизайнерской одежды или сделать хронологический обзор исторической эволюции моды. Они задались целью исследовать ключевые темы теории моды и музеологии костюма как научных дисциплин, а также продемонстрировать членам Международного совета музеев и посетителям, что мода (как предмет, которому посвящен музей) способна обращаться к универсальным вопросам, актуальным для современных музеев всего мира.

Экспозиция занимает два этажа музея — огромное пространство, которым не располагает маленькая галерея при Институте костюма, — и строится вокруг тринадцати тем. Основное название выставки — «Дресс-код» — указывает на ее принадлежность к теоретическому полю социологии и семиотики/коммуникации, а подзаголовок «Играем в моду?» обращен к публике и спрашивает о ее участии в игре, цель которой — борьба за социальный статус и внимание.

«Дресс-код» затрагивает огромный спектр тем, волнующих теоретиков моды: класс, гендер, аутентичность, ценности, труд, искусство, устойчивое развитие, брендинг, субкультуры, имидж, продвижение и социальные сети, — весьма оригинальным образом задавая каждое отдельное направление дискуссии, ведь каждый раздел открывается не одним словом, призванным ввести новую тему, а вопросом. Например, тема классов и классовых различий вводится вопросами: «Приходится ли вам демонстрировать внешнюю благопристойность?», «Обязывает ли ваша организация сотрудников соблюдать некие правила?». В третьем разделе, посвященном работе, работникам и одежде для работы, тема труда обозначена в аллюзии на Второе послание к фессалоникийцам: «Кто не хочет трудиться, то и не одевайся?» [1]

Этот небольшой раздел приглашает посетителей задуматься о роли денима: от рабочей одежды до дизайнерских изделий из темно-синей джинсовой ткани — жакета Marithé + François Girbaud, топа-бюстье Dior 2001 года и платья Alaïa — или классических джинсов на каждый день, таких как Levi’s 501. Деним переходит с подиума на улицу и обратно, циркулирует между ними, демонстрируя удивительную гибкость: джинсовые вещи надевают люди самых разных социальных статусов и по разным поводам (ил. 1 и др. иллюстрации см. во вклейке 1). Ткань, в начале Х Х века использовавшаяся для рабочей, а затем для повседневной одежды, вдохновила дизайнера Кентаро Тамаи, основателя бренда Aseedonclöud (от англ. a seed on cloud — «зернышко на облаке») на создание продуманных до мельчайших деталей костюмов и аксессуаров, предназначенных для фантастических профессий будущего, например рядом с одной из моделей указано: «Пропуск на работу — 16 гортензий». Чем именно предполагается заниматься в причудливом наряде, сочетающем в себе тюль, хлопок, дерево, бисер и проволоку, еще предстоит придумать, но за ним уже ощущается история.

Футуристические модели, подобные изделиям Тамаи, и одежда из коллекции Института костюма Киото представлены просто на белых вертикальных манекенах, расставленных группами на металлических возвышениях на фоне почти белых стен, увешанных разнообразными произведениями искусства — всего на выставке более трехсот работ, призванных привлечь внимание к смыслу одежды и ее ношения. Художественные плакаты и манга, скульптура, видео, иллюстрации и фотографии — творчество тринадцати художников выставлено и украшает стены рядом с соответствующей тематической группой манекенов, раскрывая перед зрителем обширное поле культурных и социальных игр, в которых участвуют мода и одежда. В первом зале мужской и женский манекены в костюмах, какие носили в XVIII веке при французском дворе, расположены рядом с висящими на стене крупными изображениями Марии-Антуанетты и Мари-Жозеф Сансон — персонажей манги «Безвинный: помада», повествующей о семье Сансонов — палачей, которые казнили осужденных во время Великой французской революции (ил. 2). Соседство изящных придворных костюмов из шелка и бархата и плоских персонажей манги, одетых в копии придворных нарядов, сближает историю и фантазию: образ «казненной» Марии-Антуанетты оказывается рядом с «казнившей» ее, согласно манге, Мари-Жозеф с мечом в руках, мужской костюм которой противоречит сарториальному кодексу, гендерным предписаниям и этикету придворной жизни, воплощенной во «французской моде». Манекены же скорее отражают историческую реальность, чем потакают фантазии: кажется, что эти французские придворные не избежали гильотины — ни у женского, ни у мужского манекена нет головы.

Визуальное искусство на выставке в значительной мере помогает проиллюстрировать проблемы, с которыми модная индустрия сталкивается в XXI веке. Инсталляция Микеланджело Пистолетто «Венера в лохмотьях» открывает выставку вопросом о долговечной ценности одежды: Венера стоит перед свалкой одежды — горой ростом с саму скульптуру. После этой композиции в два ряда располагаются костюмы разных фасонов, «двойки» и «тройки», от мужских костюмов из шерстяной ткани темных оттенков 1900-х годов до жаккардового костюма с отливом, созданного Юния Ватанабе для Comme des Garçons в 2010 году: мы видим, как много тенденций, живых вариаций и даже карикатур на тему профессиональной одежды породил этот классический и неотъемлемый элемент гардероба деловых мужчин и женщин. Легко провести параллель между выстроенными в ряд манекенами в костюмах и композицией Пистолетто, наводящей на мысли о красоте и ущербе, который причиняют природе груды текстильных отходов. Поворачивая за угол, посетители видят ролик Сатору Аоямы — скромную похвалу портновскому и швейному делу. Видео, в котором показана швейная машина с программным управлением, вышивающая по белой ткани, называется «Одинокий труженик» (Th e Lonely Laborer). В ролике швейная машина вышивает слова из письма, написанного в 1888 году Уильямом Моррисом, основателем Движения искусств и ремесел, к преподобному Джорджу Бейнтону.

В письме Моррис рисует картину альтернативной социалистической организации труда, при которой средствами производства совместно пользуются представители сообщества, чтобы создавать «полезные занятия» и обеспечивать коллектив средствами к существованию, а не класс собственников, приспосабливающих трудовые ресурсы и масштабы производства под свои интересы и конкурирующих друг с другом. В видеоролике крупным планом показаны отдельные слова: «отходы», «люди», «классы», «интересы», «конкуренция», «незаконное присвоение», «рабочие», «сообщество», — проступающие под иглой швейной машины, которая пропускает черную нить сквозь белую ткань (ил. 3). Головка швейной машины и игла, данные в кадре крупным планом, напоминают о фетишистском отношении к вещам — искусной, ослепительной и неизменной формой которого является мода, — не отождествляющим себя с процессом производства и вытесняющим его за пределы поля зрения. Остро встает вопрос: какой ценностью наделяются труд и работник, особенно в контексте модной индустрии, скрывающей сложную глобальную систему аутсорсинга, производственных сетей и внештатных сотрудников? Отсутствие в видео человека, направляющего иглу швейной машины, бросается в глаза и, наряду со словами из письма Уильяма Морриса, побуждает задуматься об отношениях между трудом, работниками и машинами, которые они используют в работе, равно как и о новых проблемах, с которыми работники столкнулись после компьютеризации и автоматизации производства. Кроме того, эта трогательная дань труду наводит на мысль о намечающемся спросе потребителей на все большую прозрачность в отношении всех звеньев цепочки поставок и происхождения одежды. Как модная индустрия реагирует на необходимость пользоваться этичными и экологичными источниками, вставшую перед многими отраслями и выраженную в призыве активистов создавать «одежду, а не моду»?

Выставка затрагивает тему глобализации моды и проблемы, с которыми сталкиваются дизайнерские бренды, традиционно находящиеся на вершине модной иерархии, в эпоху соцсетей и популярных блогеров, стилистической анархии, «свободного падения» и плюрализма моды, сотрудничающей с разными направлениями и впитывающей в себя множество влияний и мини-нарративов, среди которых манга, уличные субкультуры, политика идентичности, работа со знаменитостями и спортивными брендами. Десятый раздел посвящен вопросу, кто решает, «кого» и «что» считать модным: «Могут ли все быть модными?» На уличных снимках из «Фотозаметок» (Photo Notes) Ханса Эйкельбума запечатлены неожиданные закономерности повседневной одежды: фотограф снимал прохожих, которых наблюдал в определенный день в выбранной им точке городского пространства, и непреднамеренно зафиксировал случайные местные тренды, например пристрастие к джинсовым ансамблям — сочетанию джинсовой куртки с джинсами — в Амстердаме в 2005 году.

На фотографиях Кёити Цудзуки мы видим церемонии, фестивали и популярные места уличных тусовок в Японии, где можно наблюдать, сколько любви, страсти и стараний вкладывается в субкультурную моду, косплеи и экстремальные способы украсить свое тело (ил. 4). В десятом разделе вы словно листаете ленту в Instagram* или онлайн-журнал: две стены покрыты фотографиями Цудзуки, на которых запечатлены городская молодежная мода, интерьеры токийских спален и модные представители старшего поколения, живущие в сельских районах, — здесь представлены самые разные, эксцентричные и практичные вариации на тему международных тенденций и брендов, преломляющихся в повседневной японской одежде западного образца; сам фотограф называет эту серию «настоящей энциклопедией японской моды» (Makiguchi et al. 2019: 225). Рассматривая костюмы посетителей выставки, можно было задуматься об уникальном сочетании дизайнерской одежды, уличного стиля и японской попкультуры в повседневной японской моде западного типа. Несколько групп студентов — будущих дизайнеров — воспользовались редкой возможностью фотографировать экспозицию, и, когда они сами позировали на фоне представленных костюмов, границы между экспонатами и посетителями, участниками и наблюдателями, дизайнерской модой и повседневной одеждой стирались. Этим юным студентам нравилось «играть в моду» и соперничать с костюмами на выставке.

Учитывая уже общеизвестный фактор влияния модных блогеров и соцсетей, а также роль смартфонов в распространении представлений о моде, удивительно, как мало возможностей было фотографировать экспонаты и залы. Организаторы выставки разрешили фотографировать лишь в нескольких специально предназначенных для этого местах, где посетителей поощряли делать снимки и выкладывать их в соцсети с соответствующими хештегами, демонстрируя собственные игры с модой. В результате такого преднамеренного ограничения интерактивных возможностей в Instagram* появилась серия постов с хештегом #fashion2019kci, показывавших, как аудитория участвует в социальной игре современной моды, правила которой не вполне ясны, но определенные тенденции прослеживаются (если наблюдать, как происходила эта игра в конкретных музейных пространствах в Киото и Кумамото с сентября 2019 года по февраль 2020-го); к тому же очевидно, что отдельные части выставки многократно повторялись на снимках, в частности многие посетители фотографировались на фоне платьев из весенне-летней коллекции Comme des Garçons/Rei Kawakubo 2018 года (ил. 5). В данном случае мы, опять же, имеем дело с продуманной стратегией вовлечения аудитории в соответствии с концептуальными акцентами выставки, за которой угадывается диалог между участниками и зрителями в повсеместной социальной игре, где главное правило — найти место, откуда все видно, и сделать так, чтобы тебя заметили.

Выставка «Дресс-код: играем в моду?» с ее обширным списком тем требовала длительной подготовки, включая составление иллюстрированного каталога на двух языках, куда вошли написанные специально для него эссе, и запись простого аудиогида, доступного в приложении Catalog Pocket. Однако если учитывать все многообразие проблем, тем и вопросов, намеченных выставкой, акцент на моде как игре, обозначенный в подзаголовке — «Играем в моду?», — создает иллюзию одномерности, своего рода наживки для публики. Задача выставки — не дать готовые ответы на все эти вопросы, а проложить разнообразные тематические маршруты сквозь необычайно насыщенную и стилистически неистощимую историю моды, прослеживая, как действующие лица/конкуренты следовали различным кодам и нарушали их в ходе социально-коммуникативной игры. Эта игра, как известно, избегает систематизации или разъяснения правил и условий, которые постоянно меняются — с той же скоростью, что и глобальные или локальные модные тенденции, и здесь выставка не открывает ничего нового, потому что не может однозначно ответить, каким будет итог нарушения предписанных кодов, порождая больше интригующих вопросов, нежели ответов. Выставка, где все эти вопросы спрятаны под игровой оболочкой, обязательно заинтересует международную аудиторию и буквально создана для гастролей за пределами Японии.

Перевод с английского Татьяны Пирусской

Литература

Makiguchi еt al. 2019 — Makiguchi C., Ishizeki M., Ogata M. Dress Code: Are You Playing Fashion? Kyoto: The Kyoto Costume Institute, 2019.


[1] В тексте Нового Завета: «…Если кто не хочет трудиться, тот и не ешь» (2 Фес. 3: 10). (Прим. пер.)

* Instagram / Facebook принадлежит компании Meta Platforms Inc., которая признана в России экстремистской организацией, ее деятельность на территории РФ запрещена.